LA EXPERIENCIA DE LA MIRADA ATENAZADA EN LA EDAD MEDIA
THE EXPERIENCE OF THE FASTENED GAZE IN THE MIDDLE AGES

Jorge Tomás

Universidad Autónoma de Madrid

Resumen

En el ámbito de la experiencia religiosa en la cuenca del Mediterráneo antiguo, la relación visual con lo divino adquiere especial relevancia desde las primeras manifestaciones textuales y materiales que poseemos. Desde los Papiros Mágicos Griegos hasta las primeras comunidades cristianas, podemos trazar una continuidad en la utilización de un léxico particular vinculado a la acción de “mirar fijamente” a una divinidad epifánica. En el léxico griego antiguo, esa acción de mirar se expresa a través del verbo ἀτενίζω, mientras que, en la lengua latina, el verbo intendo y la expresión oculos figere –en sus distintas variantes– están presentes en textos en los que la experiencia religiosa medieval está relacionada con una relación mística y epifánica con una entidad divina caracterizada por su naturaleza lumínica. En este texto pretendemos mostrar la continuidad de esta experiencia antigua en la visión theo-dramática de la Edad Media.

Palabras clave: mirada atenazada, visión, misticismo, signo, theo-drama, experiencia del lenguaje.

Abstract

In the field of religious experience in the ancient Mediterranean area, the visual relationship with the divine has acquired special relevance since the first textual and material manifestations that we possess. From the Greek Magical Papyri to the first Christian communities, we can trace a continuity in the use of a particular lexicon linked to the action of “look straight” at an epiphanic divinity. In the ancient Greek lexicon, this action of looking is expressed through the verb ἀτενίζω, while in the Latin language, the verb intendo and the expression oculos figere –in its different variants– are present in texts in which the religious experience in the Middle Ages, as in the ancient world, is related to a mystical and epiphanic relationship with a divine entity characterized by its luminous nature. In this text we intend to show the continuity of this ancient experience in the theo-dramatic vision of the Middle Ages.

Keywords: mirada atenazada, vision, mysticism, sign, theo-drama, language experience.

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MINOR ARTS BECOMING MAJOR: THE CLASSICAL IN DIALOGUE WITH THE NON-CLASSICAL AT THE ORIGINS OF THE ART OF STAINED GLASS
ARTES MENORES CONVERTIDA S EN MA YORES. LA HERENCIA CLÁSICA EN DIÁLOGO CON OTRAS EN LOS ORÍGENES DEL ARTE DE LA VIDRIERA

Alberto Virdis

Centre for Early Medieval Studies, Masaryk University, Brno

Abstract

The distinction between “major” and “minor” arts has its source within Renaissance humanism. In the fifteenth century, Filarete identified the decadence of the architecture of his time in the transalpine trend of building monuments in the form of thuribles and tabernacles, imitating the works of goldsmiths on a larger scale. Therefore, since their first delineation “minor arts” have included goldsmithing and other related art forms. Despite its monumental dimensions, stained glass soon joined this category in the post-medieval literature on art. As confirmed by recent research, the aesthetics and techniques of the arts of goldsmithing, enameling, and stained glass turned out to be deeply intertwined. This article investigates the artistic intersections that underpinned the emergence of stained-glass windows in the early Middle Ages, focusing on key aspects such as changes in scale and the tension between continuity and rupture in classical and non-classical traditions, characteristic of the long late Antiquity up to the beginning of the Carolingian Renaissance.

Keywords: early medieval aesthetics, stained glass, enamels, cloisonné jewels, jeweled style

Resumen

La distinción entre artes «mayores» y «menores» tiene su origen en el humanismo renacentista. En el siglo xv, Filarete identificó la decadencia de la arquitectura de su tiempo en la tendencia transalpina de construir monumentos en forma de turíbulos y tabernáculos, imitando a mayor escala las obras de los orfebres. Por tanto, desde su primera delimitación, las «artes menores» han incluido la orfebrería y otras formas artísticas afines. A pesar de sus dimensiones monumentales, las vidrieras pronto se unieron a esta categoría en la literatura postmedieval sobre las artes. Como confirman investigaciones recientes, la estética y las técnicas de las artes de la orfebrería, el esmalte y las vidrieras estuvieron profundamente relacionadas. Este artículo investiga las intersecciones artísticas que sustentaron la aparición de las vidrieras en la Alta Edad Media, centrándose en aspectos clave como los cambios de escala y la tensión entre continuidad y ruptura de las tradiciones clásicas y no clásicas, características de la larga Tardoantigüedad hasta el inicio del Renacimiento carolingio.

Palabras clave: estética altomedieval, vidrieras, esmaltes, joyas cloisonné, joyería

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EUSEBIO DI SAN PIETRO ARMENTARIO E LA MISCELLANEA ARDOANTICA EGLI AGRIMENSORI
EUSEBIO DI SAN PIETRO ARMENTARIO Y LA MISCELÁNEA ARDOANTIGUA DE LOS AGRIMENSORES

Fabio Troncarelli

Università di Viterbo

Abstract

The Corpus Agrimensorum Romanorum (Corpus of the Roman Surveyors) is a seminal compilation of topographical texts attributed to prominent ancient authors such as Siculus Flaccus, Frontinus, Agenius Urbicus, Hyginus Gromaticus, and other writers collectively known as Gromatici or Agrimensores (surveyors). This corpus survives in multiple manuscripts, with the earliest extant manuscript being the 6th-century Codex Arcerianus (Wolfenbüttel Herzog Bibl. Cod. Guelf. 36.23A). Composed over various periods, the Corpus includes a range of texts that address topics from boundary delineation and city layout to the course of rivers and the orientation of roads. The Codex Arcerianus alone preserves 33 distinct texts, primarily manuals and instructional works for surveyors tasked with land measurement and demarcation. Central figures in this collection are Frontinus (1st century CE), Siculus Flaccus (2nd century CE), Hyginus Gromaticus, Agenius Urbicus (5th or 6th century), Balbus, and Marcus Junius Nipsus (2nd century). The manuscripts are notable for their richly detailed illustrations, which were faithfully reproduced during the medieval and Renaissance periods from the remarkable 6th-century originals. Our analysis reveals that within these early illustrations or in their marginalia, abbreviations of the artists’ names frequently appear: one artist, identified as the renowned Eusebius of St. Peter Armentarius, was active in Ravenna in the early 6th century, while the other, “Marcus As.,” likely an abbreviation of “Asinius,” remains an obscure figure. The persistence of these initials in later copies suggests their perceived significance to subsequent generations of copyists and illuminators.The presence of Eusebius, a professional illuminator, in the codex is particularly intriguing; he worked in the atelier of the Gothic bokareis (scribe) Wiliaric in Ravenna, connected to the Arab clergy of St. Euphemia’s church and the city’s Catholic elites, who commissioned esteemed manuscripts from him. The Corpus of the Gromática, a text offering technical and scientific insights pertinent to land measurement and division, catered to this intellectual and elite milieu. This collection parallels the compendium of ancient geographical texts by authors such as Censorinus, Julius Parides, Pomponius Mela, Vibius Sequestrus, Titius Probus, and Valerius Maximus, assembled in Ravenna in the 6th century by Rusticius Elpidius, with a distinguished Carolingian copy now housed in the Vatican Library (Vat. Lat. 4929).

Keywords: Gromatici, Surveyors, Engravings, Ravenna, Late Antiquity

Resumen

El Corpus Agrimensorum Romanorum (Corpus de los agrimensores romanos) es una obra de topografía que recoge trabajos de Siculus Flaccus, Frontinus, Agenius Urbicus, Hyginus Gromaticus y otros escritores, conocidos como Gromatici o Agrimensores (‘agrimensores’). La obra se conserva en varios manuscritos, el más antiguo de los cuales es el Codex Arcerianus, del siglo vi (Wolfenbüttel Herzog Bibl. Cod. Guelf. 36.23A).
El Corpus consta de una serie de textos de contenido diverso, compuestos en fechas diferentes. Sólo el Codex Arcerianus contiene 33 obras distintas, la mayoría de las cuales son escritos de los Agrimensores, libros de texto o manuales para agrimensores (gromatici) que trabajan continuamente para definir los límites de propiedades o ciudades, el curso de los ríos, la dirección de los caminos. Los autores más importantes de la colección son Frontino (siglo i d.C.), Agenius Urbicus (siglos v o vi), Hyginus Gromaticus, Siculus Flaccus (siglo ii), Balbus y Marcus Junius Nipsus (siglo ii). Los manuscritos van acompañados de bellas ilustraciones, que fueron reproducidas en época medieval y renacentista a partir de fascinantes originales del siglo vi. Nuestra aportación muestra que en las ilustraciones más antiguas o en sus márgenes se repiten varias veces las abreviaturas de los nombres de los dos artistas que crearon las imágenes: uno es un personaje muy conocido, Eusebio de San Pedro Armentario, activo en Rávena en la primera mitad del siglo vi; el otro se llama «Marcus As. (tal vez ‘Asinius’) es en cambio desconocido. Es interesante señalar que las iniciales ocultas en las imágenes también se reprodujeron en copias de épocas posteriores, porque evidentemente se consideraban importantes. La presencia de Eusebio en el códice es muy interesante: era un iluminador profesional que trabajaba en el taller del bokareis (copista) gótico Wiliaric en Rávena, vinculado al clero árabe de la iglesia de Santa Eufemia, pero en contacto con las élites católicas de la ciudad, que le encargaban valiosos códices. A este entorno se dirigió también el corpus de la Gromática, que reunía textos que aportaban una serie de conocimientos técnico-científicos útiles para la descripción y división de la tierra. La miscelánea puede compararse con la colección de geógrafos antiguos (Censorino, Julio Parides, Pomponio Mela, Vibio Sequestrus, Ticio Probo, Valerio Máximo) compilada en Rávena en la primera mitad del siglo vi por Rusticio Elpidio, de la que hoy se conserva una espléndida copia carolingia en la Biblioteca Vaticana (Vat. Lat. 4929).

Palabras clave: Agrimensores, Gromatici, Geómetras, Ilustraciones, Rávena, Antigüedad
tardía

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SOBRE EL ÍDOLO DE CARAZO CONSERVADO EN EL MUSEO DEL MONASTERIO DE SANTO DOMINGO DE SILOS (BURGOS)
ON THE CARAZO IDOL PRESERVED IN THE MUSEUM OF THE ABBEY OF SANTO DOMINGO DE SILOS (BURGOS)

José Luis Hernando Garrido

UNED-Centro Asociado de Zamora

Resumen

Se revisa una pieza en bronce de fines del siglo iv, tal vez un retrato de Aelia Flacila (356-386 d. de C.) procedente de la ciudad romana de Clunia, conservada en el monasterio de Silos y que, muy probablemente, pudieron conocer los escultores románicos: un capitel del claustro de la catedral de Jaca (en la iglesia de Santiago de la misma localidad) luce un peinado muy similar, relacionado además con el sarcófago de doña Sancha, depositado en la colegiata de Covarrubias desde 1841. Se acotan de paso otras precisiones numismáticas y comentarios respecto a la fauna silense, terribles gorgonas, zoomórficos custodios o máscaras esculpidas sobre la pechera de corazas thoracatas y grifos y musas en algunos sarcófagos clásicos que pudieron haber deslumbrado a los escultores románicos.

Palabras clave: Esculturas romana y románica, Castilla, sarcófagos clásicos, bestiario fantástico,
musas.

Summary

A bronze piece from the late 4th century is reviewed, possibly a portrait of Aelia Flacila (356-386 AD) from the Roman city of Clunia, currently housed in the Monastery of Silos. This piece was likely known to Romanesque sculptors: a capital from the cloister of the Cathedral of Jaca (in the Church of Santiago in the same town) features a very similar hairstyle, also linked to the sarcophagus of Doña Sancha, kept in the collegiate church of Covarrubias since 1841. The analysis also includes numismatic details and observations about the fauna of Silos, such as terrifying gorgons, zoomorphic guardians, and masks sculpted on the chest plates of thoracata armor, as well as griffins and muses on some classical sarcophagi that may have captivated Romanesque sculptors.

Keywords: Roman and Romanesque sculptures, Castile, classical sarcophagi, fantastic
bestiary, muses.

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A WINDING PATH TO THE STARS: ANCIENT ACANTHUS, MARY, AND CHRISTIAN AESTHETICS
UN SINUOSO CAMINO HACIA LAS ESTRELLAS: EL ACANTO ANTIGUO, MARÍA Y LA ESTÉTICA CRISTIANA

Herbert L. Kessler

Johns Hopkins University

Abstract

A comparison of the thirteenth-century Virgen de las Batallas with a first-century marble statue of Psyche and Eros introduces questions about the continuity, revival, and evolving meaning of ancient ornament during the Middle Ages. The paper examines ways acanthus glossed representations of young women in art and texts, simultaneously likening Mary’s beauty to that of pagan goddesses and differentiating it. Drawing on Vitruvius, the Ara pacis Augustae, Campana plaques, the Timaeus, Santa Maria Maggiore and John VII’s oratory in Rome, the Flabellum of Tournus, images of the Tree of Jesse, and the Master Gregorius, it argues that acanthus ornament’s inherent vibrancy and regeneration not only marked several moments of classical revival but also glossed the Annunciation and Mary’s Assumption through an aesthetic of anagogical ascent.

Keywords: acanthus ornament, Mary, Venus, Tree of Jesse, Calcidius.

Resumen

La comparación de la Virgen de las Batallas del siglo xiii con una estatua de mármol de Psique y Eros del siglo i plantea diversas cuestiones sobre la continuidad, el renacimiento y la evolución del significado del ornamento antiguo durante la Edad Media. Este artículo examina el modo en que el acanto glosaba las representaciones de mujeres jóvenes en el arte y los textos, asemejando simultáneamente la belleza de María a la de las diosas paganas y diferenciándolas entre sí. Basándose en Vitruvio, el Ara pacis Augustae, las placas de Campana, el Timeo, Santa María la Mayor y el oratorio de Juan VII en Roma, el Flabellum de Tournus,las imágenes del Árbol de Jesé y el Maestro Gregorio, sostiene que la vitalidad y regeneración inherentes al ornamento de acanto no sólo marcaron varios momentos de renacimiento clásico, sino que también glosaron la Anunciación y la Asunción de María a través de una estética de ascensión anagógica.

Palabras clave: acanto, ornamento, María, Venus, Árbol de Jesé, Calcidio.

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TIEMPO Y MEMORIA DE LOS ANTIGUOS EN EL ARTE ISLÁMICO DE CÓRDOBA Y DAMASCO
TIME AND MEMORY OF THE ANCIENTS IN THE ISLAMIC ART OF CORDOBA AND DAMASCUS

Susana Calvo Capilla

Universidad Complutense de Madrid

Resumen

En las últimas décadas son numerosos los estudios dedicados a reflexionar sobre los spolia y el reciclaje en el arte y la arquitectura medievales. De entre ellos, los trabajos de Salvatore Settis aportan sugerentes reflexiones sobre el fenómeno de la reutilización y sus efectos en la percepción del tiempo y la memoria, unos planteamientos que resultan más infrecuentes en el ámbito de arte andalusí. Sin embargo, a juzgar por ejemplos como las esculturas y sarcófagos romanos reutilizados en el palacio califal de Madīnat al Zahrā’ (Córdoba) en el siglo x se puede pensar que dicha práctica se desarrolló de manera original y muy temprana en las artes del Islam. Volvemos en estas páginas al significado de las obras en la Córdoba omeya, al tiempo que ampliamos el contexto para indagar en el llamado “Clasicismo islámico” de la arquitectura del Bilād al-Šām (área sirio-palestina) en los siglos XII y XIII.

Palabras clave: Reutilización, spolia, al-Andalus, Córdoba, Antigüedad, esculturas romanas, sarcófagos, Damasco, Bilād al-Šām.

Abstract

In recent decades, numerous studies have been devoted to the reflection on spolia and recycling in medieval art and architecture. Among them, the work of Salvatore Settis offers suggestive reflections on the phenomenon of reuse and its effects on the perception of time and memory, approaches that are less common in the art of al-Andalus. However, taking into account examples such as the Roman sculptures and sarcophagi reused in the 10th-century caliphal palace of Madīnat al-Zahrā’ (Córdoba), it is possible to consider this practice as an original and early development in Islamic art. In these pages we will return to the significance of the works of the Umayyad Córdoba, while broadening the context to explore the so-called ‘Islamic Classicism’ of the architecture of Bilād al-Šām (Syro-Palestinian area) in the 12th and 13th centuries.

Keywords: Reuse, spolia, al-Andalus, Córdoba, Antiquity, Roman sculptures, sarcophagi, Damascus, Bilād al-’Al-Andalus, Bilād al-’Al-Andalus.

 

JÚPITER Y LOS HECTÓREOS PRELADOS DE LA EDAD MEDIA HISPANA ANTE LA ROMA DOCTA
JUPITER AND THE HECTOREAN BISHOPS OF THE HISPANIC MIDDLE AGES IN FRONT OF THE ROMA

José Alberto Moráis Morán

Instituto de Estudios Medievales/Universidad de León

Resumen

Este artículo analiza la instrumentalización del legado antiguo por parte de los obispos y prelados medievales relacionados con las diócesis de Orense, Astorga y León, entre los siglos X y XII. A través de la expoliación de piedras y camafeos romanos, la reinterpretación de iconografía pagana vinculada con Júpiter y los Dióscuros Cástor y Pólux, y la alusión a la idea de Roma, como vieja capital intelectual, las élites eclesiásticas prestigiaron su propia memoria funeraria.

Palabras clave: anillo, Júpiter, Dióscuros, Apolo, Héctor, Antigüedad, Reino de León.

Abstract

This article studies the instrumentalization of the legacy of Antiquity by medieval bishops and prelates, linked to the dioceses of Orense, Astorga and León, between the 10th and 12th centuries. By reusing Roman stones and cameos, the reinterpretation of the pagan iconography of Jupiter and the Dioscuri, Castor and Pollux and, finally, the allusion to the idea of Rome, as an old intellectual capital, the ecclesiastical elites gave prestige to their own funerary memory.

Keywords: Ring, Jupiter, Dioscuri, Apollo, Hector, Antiquity, Kingdom of León

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ENTALLES Y CAMAFEOS EN EL ENTORNO ARTÍSTICO MEDIEVAL PENINSULAR
INLAYS AND CAMEOS IN THE PENINSULAR MEDIEVAL ARTISTIC ENVIRONMENT

Francesca Español Bertran

Universitat de Barcelona

Resumen

Estudio sobre la reutilización de camafeos y entalles antiguos en el arte medieval de los reinos cristianos peninsulares. Se reúnen y analizan las obras que los incorporaron y las noticias documentales que permiten registrar otros ejemplares perdidos. Su uso resulta especialmente significativo en el ámbito de las ars sacra del reino astur-leonés (siglo ix) y en los de la esfera áulica del reino de Castilla-León durante el reinado de Alfonso X el Sabio. A lo largo del siglo xiii, tanto en los territorios del occidente peninsular, como en los estados de la Corona de Aragón, pudo recurrirse a los materiales glípticos ejecutados en Sicilia en tiempos del emperador Federico II.

Palabras Clave: orfebrería medieval, reciclaje medieval de camafeos, reciclaje medieval de entalles, Spolia, orfebrería sagrada medieval, orfebrería profana medieval.

Sumary

This study explores the reuse of ancient cameos and carvings in medieval art within the Christian kingdoms of the Iberian Peninsula. It examines the artworks that incorporated these objects and presents documentary evidence to reconstruct other lost examples. The reuse of cameos and carvings holds particular importance in the ars sacra of the Kingdom of Asturias-León during the 9th century, as well as in the courtly arts of the Kingdom of Castile-León under the reign of Alfonso X the Wise. Throughout the 13th century, glyptic materials produced in Sicily under Emperor Frederick II were also incorporated into both the western Iberian territories and the states of the Crown of Aragon.

Keywords: medieval goldsmithing, medieval reuse of cameos, medieval reuse of carvings, Spolia, medieval sacred goldsmithing, medieval secular goldsmithing.

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LA RETAILL E D’OBJETS ANTIQUES DURANT LE MOYEN ÂGE
LA REELABORACIÓN DE OBJETOS ANTIGUOS DURANTE LA EDAD MEDIA

Laurence Terrier Aliferis

Université de Neuchâtel

Résumé

Le remploi de pierres sculptées antiques est un processus très actif durant le Moyen Âge et a fait l’objet de nombreuses études. Les multiples raisons sous-jacentes à cette pratique ont été analysées, mettant en lumière des motivations pragmatiques, idéologiques et esthétiques. Lorsqu’un objet antique est réutilisé dans un nouvel environnement, il est intégré tel quel, sans modifications. Toutefois, un petit nombre d’objets ont été retaillés ou resculptés, avec des interventions massives sur le substrat antique. Ce phénomène de retaille reflète non seulement des démarches de revalorisation des artefacts anciens, mais il nous informe également sur l’appréciation du patrimoine antique à l’époque médiévale et du rôle de ce dernier dans la formation de quelques identités artistiques. Par la mise en exergue de cas de retaille de sculptures antiques, nous proposerons des pistes de réflexion et analyserons les informations que ces cas particuliers peuvent fournir pour une meilleure compréhension de la perception du patrimoine antique entre le viiie et le xive siècle.

Mots-clés: Réemploi, retaille, sculpture, Antiquité, Moyen Âge, re-culturation

Resumen

La reutilización de la piedra tallada antigua fue un proceso muy activo durante la Edad Media y ha sido objeto de numerosos estudios. Se han analizado las múltiples razones que subyacen a esta práctica, destacando las motivaciones pragmáticas, ideológicas y estéticas. Cuando un objeto antiguo se reutiliza en un nuevo entorno, se integra tal cual, sin modificaciones. Sin embargo, un pequeño número de objetos han sido recortados o esculpidos de nuevo, con intervenciones masivas sobre el sustrato antiguo. Este fenómeno de recortado no sólo refleja los planteamientos de revalorización de los objetos antiguos, sino que también nos informa sobre la apreciación del patrimonio antiguo en la época medieval y su papel en la formación de determinadas identidades artísticas. Destacando casos de reelaboración de esculturas antiguas, sugeriremos pistas de reflexión y analizaremos la información que estos casos particulares pueden aportar para una mejor comprensión de la percepción del patrimonio antiguo entre los siglos VIII y XIV.

Palabras clave: Reutilización, retallar, escultura, Antigüedad, Edad Media, aculturación

Abstract

The reuse of ancient sculpted stones was a highly active process during the Middle Ages and has been the subject of numerous studies. The various underlying reasons for this practice have been analyzed, highlighting pragmatic, ideological, and aesthetic motivations. When an ancient object is reused in a new context, it is integrated as is, without modifications. However, a small number of objects were recut or resculpted, involving significant interventions on the ancient substrate. This phenomenon of recutting not only reflects efforts to revitalize ancient artifacts but also provides insights into the appreciation of ancient heritage during the medieval period and its role in the formation of certain artistic identities. By focusing on cases of recutting ancient sculptures, we will propose avenues for reflection and analyze the information these particular cases can provide for a better understanding of the perception of ancient heritage between the 8th and 14th centuries.

Keywords: Reuse, recutting, sculpture, Antiquity, Middle Ages, re-culturation

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GIOTTO VS. ANTIQUITY: SOME POSSIBLE APPROACH
GIOTTO VS. LA ANTIGÜEDAD: ENFOQUES FACTIBLES

Serena Romano

Université de Lausanne

Abstract

The topic “Giotto and Antiquity” counts countless contributions, and it is to be considered one of the most important issues on which we discuss when studying the artist, both monographically or in relation to the culture, and specifically the visual culture of his time. My article will start from what is already known and discussed, but with a substantial premise: the Antique, for Giotto, is never an antiquarian passion or a sophisticated whim for elites. It is rather one of the aspects of Giotto’s “realism.” Giotto has a heightened attention to the memories and visual evidence of the Antique, and in it he seems to look for models – that we might call ‘moral’ – that serve him to create his own expressive keys. We do not know  where he got his knowledge of ancient painting: what we know today of the great painting of ancient Rome is generally the result of seventeenth/eighteenth/nineteenth century rediscoveries; but it is clear that the landscape of medieval Rome – which Giotto knew from a very young age – between the late thirteenth and early fourteenth centuries must have included far more survivals than today. In ancient painting, Giotto sought patterns of illusiveness and transfiguration of space: walls that disappear, planes that multiply infinitely, false depths. But the monumentality of the figures in ancient megalographiae also provided him with great suggestions, as is already evident in the two scenes of Isaac in Assisi. In sculpture, on the other hand, the artist seems to have sought patterns of gravitas and a new, more powerful figural presence of his characters, as is particularly clear in the personifications of the Virtues and Vices at the Scrovegni Chapel. My aim will therefore be to analyze these different modalities, in the knowledge that this kind of study can still provide much insight into Giotto’s visual world and culture. It can also add something to our knowledge of the ancient world, which we will look at through the eyes of
an artist circa 1300.

Keywords: Giotto; Antiquity; illusionism; realism; Roman painting; Roman sculpture; Rome

Resumen

El tema «Giotto y la Antigüedad» cuenta con innumerables aportaciones, y debe considerarse una de las cuestiones más importantes sobre las que debatimos al estudiar al artista, tanto monográficamente como en relación con la cultura, y en concreto con la cultura visual de su tiempo. Este estudio partirá de lo ya conocido y discutido, pero con una premisa sustancial: la Antigüedad, para Giotto, nunca es una pasión anticuaria o un sofisticado capricho de élites. Es más bien uno de los aspectos del «realismo» de Giotto. Giotto estuvo muy atento a los recuerdos y a los testimonios visuales de la Antigüedad, y en ella parece haber buscado modelos –que podríamos llamar «morales»– que le sirvieron para crear sus propias claves expresivas. No sabemos de dónde sacó su conocimiento de la pintura antigua: lo que hoy conocemos de la gran pintura de la Roma antigua es en general el resultado de redescubrimientos de los siglos XII/XIII/XIX; pero está claro que el paisaje de la Roma medieval –que Giotto conoció desde muy joven– entre finales del siglo xiii y principios del xiv debió de incluir muchas más supervivencias que hoy. En la pintura antigua, Giotto buscaba patrones de ilusión y transfiguración del espacio: muros que desaparecen, planos que se multiplican infinitamente y falsas profundidades. Pero la monumentalidad de las figuras de las megalografías antiguas también le proporcionaba grandes sugestiones, como ya es evidente en las dos escenas de Isaac en Asís. En la escultura, en cambio, el artista parece haber buscado patrones de gravitas y una nueva presencia figural más poderosa de sus personajes, como queda particularmente claro en las personificaciones de las Virtudes y los Vicios de la Capilla Scrovegni. Mi objetivo será, por tanto, analizar estas diferentes modalidades, sabiendo que este tipo de estudio puede aportar todavía muchos datos sobre el mundo visual y la cultura de Giotto. También puede aportar algo a nuestro conocimiento del mundo antiguo, que contemplaremos a través de los ojos de un artista de hacia 1300.

Palabras clave: Giotto; Antigüedad; ilusionismo; realismo; pintura romana; escultura romana; Roma.

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ET INCARNATUS EST: LA PROGRESIVA HUMANIZACIÓN DE CRISTO Y EL SENTIMIENTO CONTEMPORÁNEO DE LA PÉRDIDA
ET INCARNATUS EST: THE PROGRESSIVE HUMANIZATION OF CHRIST AND THE CONTEMPORARY SENSE OF LOSS

Pablo Ordás Díaz

Dirección Xeral de Ordenación e Innovación Educativa Xunta de Galicia

Resumen

El arte de finales de la Edad Media e inicios del Renacimiento incidió en la representación de la naturaleza humana de Cristo a través de nuevos modelos iconográficos, como los lamentos, las piedades o los Cristos muertos sostenidos por ángeles. A partir del Cristo muerto sostenido por un ángel de Antonello de Mesina, este artículo explora cómo esta progresiva humanización es resultado de la intencionalidad de los artistas por contemporaneizar la escena bíblica, buscando así hablar el mismo lenguaje que el espectador; una tendencia que parece haberse fosilizado a partir de la época moderna, en la que las representaciones “arqueológicas” se convirtieron en la tendencia dominante.

Palabras clave: Cristo, humanización, representación anatómica, sangre, contemporaneidad, pathos.

Abstract

The art of the late Middle Ages and early Renaissance influenced the representation of Christ’s human nature through new iconographic models, such as lamentations, pietàs, or dead Christs supported by angels. Based on Antonello da Messina’s «Dead Christ Supported by an Angel,» this article explores how this progressive humanization results from artists’ intentionality to contemporize the biblical scene, thus seeking to speak the same language as the spectator; a tendency that seems to have fossilized from the modern era onward, when «archaeological» representations became the dominant trend.

Keywords: Christ, humanization, anatomical representation, blood, contemporaneity, pathos.

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